Archives of Design Research

최근 글로벌 디자인 트렌드를 소개하며 대중적 인기를 얻은 대림미술관의 ‘디뮤지엄’ 관람객이 26만명(2017년 5월 3일 개관전 기준)을 넘었다. 더불어 각종 갤러리나 아트 뮤지엄에서도 디자인 전시를 기획하며 대중과 디자인계로부터 주목받는 현상도 빈번하게 나타나고 있다. 디자인 전시는 디자인이 단지 기능적 차원에서 일상적 경험의 대상으로 국한되지 않음을 보여준다. 전시를 통한 향유와 체험의 대상으로 디자인은 그 성격이 변화한 것이다.

‘디자인미술관'과 '디자인 전시'의 출현은 디자인 활성화를 경제적 부가가치 창출로 바라보는 인식의 산물이기도 하고, 소비사회 속에서 디자인 산물에 대한 비판적 태도나 다양한 담론형성을 배경으로 등장한 것이기도 했다.

오늘날 디자인 전시 역시 디자인의 아우라를 위한 환상적인 모습으로, 또는 일상의 영역에 있는 흔적들을 재배치해 새로운 의미를 드러내려는 모습으로 혼재한다. 본 연구는 국내 대표적 디자인 미술관들의 성격을 이해하고, 이를 토대로 2000년 이후 각 미술관에서 이루어진 디자인 전시들을 분석함으로써 그 특징을 파악하는 데 목적이 있다.

본 연구에서의 디자인 전시란 디자인을 매개로 이루어지는 전시를 지칭한다. 구체적으로는 사물, 공간, 이미지, 뉴미디어, 서비스 영역 등 일상생활 전반에서 볼 수 있는 디자인을 대상으로 하는 전시를 의미하는 것이다.

또한 디자인 미술관이란 전시 공간 운영 목적에 있어 ‘디자인 영역’에 대한 전시 방향성을 명확히 밝히고, 그러한 운영방침에 따라 지속적인 활동을 하고 있는 공간을 뜻한다.

이러한 맥락에서 본 연구는 최근 디자인전시가 가장 활발하게 이루어지고 있는 세 기관, ‘한가람디자인미술관’, ‘대림미술관’, ‘동대문디자인플라자’를 앞서 정의한 디자인 미술관의 대표적인 사례로 보고 이곳에서 이루어진 디자인 전시를 분석 대상으로 하고 있다. 이 세 기관은 각각 ‘디자인 전문 공공미술관’, ‘사립미술관’, ‘(공공)복합문화시설’로 행정적으로나 법적으로는 서로 다른 기관이긴 하나, 관람객이 경험하는 전시의 속성이 유사하고, 디자인 기획전이 빈번히 열리는 대표적인 장소라는 공통점을 가지고 있다. 따라서 본 논문에서는 디자인 전시에 대한 운영과 활동을 하고 있는 이들 세 기관을 디자인 미술관으로 지칭하고 있다.

세 기관 중 가장 먼저 개관된 ‘한가람디자인미술관’ 개관전은 1999년에 열렸지만 본 연구에서는 이를 포함해 2000년 이후부터 2016년까지의 전시를 시간적 연구범위로 취하고 있다. 이 기간 동안 해당 미술관 홈페이지에 소개된 전시 개요를 기준으로 하여 전시의 도록과 해당 전시가 소개되거나 언급된 디자인 잡지나 뉴스(월간디자인, 디자인정글, 해당 미술관 월간지, 미술관 운영보고서 등)를 통해 조사, 분석하였다. 분석은 아래 [Table1]의 전시 분석틀 활용하였다.

분석틀에 있는 디자인 영역은 ‘2014디자인백서(한국공예·디자인진흥원, 2015)’의 디자인 범주 ‘사물/공간/이미지/뉴미디어/서비스’에 하위 영역을 추가시켜 범주를 구분했다. 디자인 미술관에서 열린 전시들의 경우 예술전시가 혼재된 경우를 감안하여, 해당 디자인영역으로 분류되지 않는 영역은 분석틀의 대상에서 제외하였다.

분석틀의 데이터를 본 논문에 활용하는 방식은 데이터의 방대한 양을 고려하여 두 가지 방법을 택했다. 전시 성격의 ‘형식 : 기획’ 경우는 서술과 더불어 데이터 전체를 그대로 실었으나, ‘형식 : 대관’의 경우는 예시를 통해 그 주된 특징을 서술하였다. 또한 디자인 영역과 성격을 파악하는 데 있어서는 단어를 축약하여 핵심어만 기술하였다.

분석틀에 기술된 데이터를 보면 디자인 전시의 비율이 총 전시의 절반 정도에 머무르고 있다. (Table 5) 예술전과 디자인전이 교차적으로 디자인 미술관에서 전시되고 있는 것이다. 이는 전문적인 디자인 미술관이 생기기 이전의 일반적인 아트 뮤지엄에서의 전시 풍경과 크게 다르지 않다. 일반 미술관에서 이루어졌던 디자인 전시는 디자인과 디자이너에게 예술품과 예술가의 이미지를 부여하는 효과가 있었다. 마찬가지로 디자인 미술관에서 예술전과 디자인전이 교차하며 전시되는 것은 전시 대상인 ‘디자인’을 ‘미술품’과 동등한 지위로 여겨지게 한다. 여전히 미술관은 예술품을 위한 전시 공간의 개념이 지배적이기 때문이다. 따라서 이 같은 환경은 디자인 미술관의 정체성에 혼란을 주고 있었다.

외형적으로는 유사해 보이지만 디자인 미술관에서 이루어지는 예술과 디자인 전시는 또 다른 긍정적인 시너지 효과를 서로에게 발휘하기도 한다. 앞서 말했듯이 일반 미술관에 간헐적으로 등장했던 디자인 전시는 이제 디자인 미술관에서 단독적으로 이루어진다. 이때 여전히 상품으로서의 이미지가 강한 디자인이 전시 대상으로서 설득력을 갖는 방법은 예술 전시의 흐름 속에 배치되며 디자인의 예술적 가치를 강조하는 방식인 것이다. 디자인은 이제 전문적인 전시공간에서 그 예술성을 증명하게 된 것이다.

또한 예술전의 측면에서 본다면 2000년대 이후로 침체기를 겪고 있는 예술영역의 상업적 가능성이 확대되는 계기가 된다. 디자인 전문 공간에서 디자인 전시들과 섞여 있는 것은 그 대중성을 발판 삼아 예술의 고고함에서 벗어나 대중과의 접근성을 높이는 기회가 된 것이다. 이처럼 디자인 미술관에서는 디자인과 예술이 서로의 아우라를 각각의 결여된 지점을 극복하는 수단으로 적절히 이용하고 있음을 알 수 있다.

전시 내용에 있어서도 예술-디자인의 복합적 성격이 나타난다. 먼저 디자인 영역 간의 혹은 브랜드와 예술가와의 콜라보가 있다. 콜라보란 본래 예술가간의 공동작품을 일컫던 말로, 오늘날은 ‘융합 창조’가 시대적 화두로 떠오르면서 대중스타, 브랜드, 예술 영역에서 활발히 이루어지고 있다. 최근 빈번한 콜라보 전시는 다양한 산업과 예술의 경계가 무너진 상황 속에서 이에 대한 상업적 돌파구로 여겨진다.

콜라보와 달리 특정 주제로 예술과 다양한 디자인 컨텐츠를 함께 전시하는 모습도 보인다. 예를 들어 전시 ‘COLOR YOUR LIFE(2017,대림)’에서는 색이라는 주제로 미디어 아트와 다양한 영역의 디자인 상품들이 함께 전시되었다. 이 같은 이질적이고 대조적인 공존은 관람객에게는 오히려 ‘쿨함’의 감수성으로 받아들여진다. 특정 키워드로 융해 지점을 만들어 협업을 통해 예술과 디자인을 억지로 섞는 것이 아니라, 그저 건조한 배치를 통해서 예술과 디자인을 함께 관람하게 하는 것이다.

이 같은 콜라보와 복합적 전시의 모습은 변화한 디자인 산업을 배경으로 한다. 특정 디자인 영역을 단독으로 보여주는 판매 방식은 한계에 다다랐다. 이제 디자인은 제품, 패션, 그래픽 등의 산업 분류방식으로 제한되는 것이 아니라 오히려 모든 영역을 아우르는 서비스 차원, 그리고 더욱 복합적인 영역을 다루는 컨설팅의 차원으로 확대되고 있다. 따라서 디자인 전시에서 특정 주제와 가치를 중심으로 예술 등 다양한 영역들이 공존하는 현상은 앞으로 더욱 확대되고 빈번해질 것으로 보인다.

‘2. 디자인 미술관의 이해’에서 각 미술관의 전시 특징을 분석한 바와 같이 미술관들은 그 운영주체에 따라서 기획전의 양상이 다르게 나타났다. 그러나 자체 기획의 주제전과 비교해 대관전 역시 상당한 비중을 차지하고 있음을 알 수 있다.

대관전의 양상은 크게 두 가지로 나눌 수 있다. 먼저 그룹전, 협회전, 개인전 등의 ‘일반 대관전’과, 이미 검증된 유명전시를 유치하는 방식의 ‘블록버스터 전시’로 구성된다. 세 미술관에서도 서구 유명 블록버스터 전시들이 빈번하게 이루어져 왔다. 블록버스터의 뜻은 단기간에 막대한 흥행수입을 올린 영화를 지칭하는 것으로, 미술관에서 역시 다수 관람객을 유입할 수 있는 흥행을 목적으로 하고 있는 것이다.

이 같은 흥행을 이루는 전시들은 왜 기획전이 아니라 대관전의 형태로만 존재하는 것일까? 그 원인으로 큐레이팅 능력의 부재를 살펴볼 수 있다. 이와 비슷한 환경의 한국현대미술의 기획전 상실에 대해 반이정(Ban, 2008)은 전문 큐레이터를 양성하는 시스템이 부재하고, 기획전을 준비할 연구시간이나 경험이 절대적으로 부족한 상황을 지적한 바 있다. 이 같은 구조적인 문제는 전문 디자인 큐레이터 인프라에도 당연히 해당되는 사항으로 보인다. 따라서 큐레이팅 능력의 부재는 충분한 양성 프로그램이 운영되지 않는 환경을 전제로 하고 있는 것이다.

또 다른 외부적 요인으로는 그러한 자체적인 큐레이팅 능력이 필요치 않은 환경을 지적할 수 있다. 데얀 수직은 비평가들이 영향력을 발휘했던 신문, 잡지 등의 전통 매체의 독자가 감소하면서 소셜 네트워크를 중심으로 한 대중의 비판이 확대되고 있다고 말한 바 있다.(Deyan Sudjic, 2013) 더 이상 비평가를 통해 미술관이 지향하는 전시 철학이나 실험성을 평가 받는 시대가 아니라는 말이다. 오히려 전시에 대해서 판단하고 영향을 미치는 주체는 미술관을 여가생활이라고 여기는 SNS속의 대중들이 된 것이다.

인물을 중심으로 한 전시들을 살펴보면 크게 두 가지 양상이 나타나고 있음을 알 수 있다. 국내 인물의 경우에는 자체적인 개인전이, 해외 인물의 경우에는 스타성을 가진 디자이너를 중심으로 한 전시가 이루어지고 있다. 대부분의 미술관들이 브랜드의 대표적 인물을 중심으로 한 블록버스터 전시를 유치해 왔던 것이 사실이다. 미술관 측면에서는 스타 디자이너 중심의 전시는 대중을 상대로 한 홍보가 효율적이라는 장점이 있기 때문이다. 디자인 컨텐츠에 대한 관람객의 호기심을 자극하고 관심도를 높이기 쉬운 방법인 것이다.

특히 럭셔리 패션브랜드의 경우에 대표 디자이너 중심으로 한 전시들은 상업성의 논란에 휩싸이곤 했다. 전문가들은 럭셔리 시장이 정체기에 접어들면서 포장만 바꾼 고도의 마케팅을 펼치고 있다고 주장하기도 한다. (Lee and Kim, 2016) 단순한 브랜드 유산의 진열의 경우에는 그 같은 판단이 합당할 수 있다. 그러나 인물을 중심으로 한 전시는 쇼룸에 전시된 디자인 상품과도, 기존의 디자인 전시들과도 다른 의의가 있다. 한 때 진열대 위의 상품으로 존재했던 오래된 물건이 문화유산으로써 디자인사의 맥락에 놓이는 것이다. 또한 사물의 측면으로 디자인 산물을 바라보는 것과 달리 인물을 중심으로 시대적, 언어적, 공간적인 맥락을 살펴보는 것은 더 다양한 큐레이팅의 실험을 가능하게 하는 방식이기도 하다. 따라서 이 같은 성격의 전시에서는 인물에 대한 다양한 해석과 브랜드 유산의 아카이브 등 어떻게 큐레이팅 하느냐의 문제가 더 중요해질 것으로 보인다.